전시장을 벽도 지붕도 정해지지 않은 채, 정해진 기간 동안만 존재하는 임시 구조물로 상상해본다. 송하영 작가는 회화 역시 그렇게 존재할 수 있다고 말한다. 작가가 지속적으로 탐구해온 화두는 '경계'다 — 나눔이자 동시에 서로 다른 것들이 마주하는 접점. 도시의 뚜렷한 선과 자연의 스며드는 겹침, 그 사이 어딘가에서 포착된 감각은 색면과 구조의 언어로 번역된다. 이번 신작에서 색은 한층 절제되었고, 캔버스는 다시 벽 앞에 선다. 그러나 이 단순함은 비어 있지 않다. 가까이서, 옆에서, 멀리서 볼 것을 제안하는 이 화면은 관람자의 위치와 움직임에 따라 계속 달라진다. 전시가 끝나면 이 임시 구조물은 흔적 없이 해체되지만, 그 사이 열려 있던 감각은 저마다의 방식으로 지속될 것이다.
We imagine the exhibition space as a temporary structure — walls and roof undecided, built to exist only for a set period. In Song Hayoung's own words, this new body of work "begins from the modularity and temporariness of the pavilion, its layers, and its open structure where inside and outside flow into one another." The artist suggests painting, too, can exist this way. His enduring theme is boundary — not merely a dividing line, but a point of contact where different things meet. The sharp, ordered edges of the city and the fluid, overlapping boundaries of nature are translated on canvas into line, plane, and point. In this new work, color is markedly reduced and the canvas returns to the wall — painting's oldest condition. Yet this simplicity is not empty: the work invites viewing up close, from the side, and again from a distance, shifting continually with the viewer's position and movement. When the exhibition ends, this temporary structure will be dismantled without a trace — but the sense of openness it held will continue on, each in its own way.
